Le policier qui rit

Si vous avez raté le début : La police suédoise découvre un bus dont les passagers sont criblés de balles. Le commissaire Martin Beck, chargé de l’enquête découvre avec stupeur que l’une des victimes n’est autre que l’un de ses enquêteurs.

Depuis les invasion normandes, on avait appris à s’inquiéter à la vue de drakkars vikings sur les côtes. Après la sortie du film Festen, on s’était dit que les danois avaient un curieux sens de la famille. La trilogie Millenium de Stieg Larson pouvait amener à s’interroger sur les règles du tutorat en Suède. Cette adaptation d’un polar écrit par Maj Sjöwall et Per Wahlöö se devait donc, en principe, de faire honneur à la réputation de glauque, d’horreur et de tripaille dont semblent être friands les auteurs de fictions scandinaves.
Cela commence plutôt bien. En effet le départ de ce roman se situe sur la scène de crime : la cabine d’un bus dont les passagers baignent dans le sang après avoir été mitraillés. On pense dès lors, avec nos habitudes de lecteur d’aujourd’hui, à un crime aveugle commis par on ne sait quel fou psychotique. Seulement le roman qui a servi à cette adaptation a été écrit il y a quarante ans, à une époque où les serials killers n’avaient pas complètement envahi livres et séries policières. Il va donc falloir aux enquêteurs se creuser un peu plus les méninges et mettre un peu de cohérence au milieu de ce carnage. C’est l’occasion pour les auteurs de détailler le travail de fourmi, lent, bien souvent ingrat que les policiers de la ville de Stockholm doivent fournir pour espérer aboutir : enquêtes de voisinage, expertises scientifiques, filatures, consultations d’archives. On quitte le domaine de l’hémoglobine pour entrer dans le détail de l’enquête proprement dite.
De plus avec un pareil titre, le lecteur s’attend par antithèse à un héros sinistre. Mais heureuse surprise, il ne l’est pas tant que ça et il faut reconnaitre que le commissaire est parfois à deux doigts d’être guilleret, ce qui vient relever l’ambiance grise et hivernale que restitue bien Martin Viot par son dessin.
Reconnaissons qu’on est un peu dérouté et qu’on en viendrait presque à regretter une petite scène de torture ou de découpage de corps ligoté déci delà.

Lafigue.

Pour en finir avec le cinéma

De quoi s’agit t’il : Blutch explore le cinéma et tente, à travers quelques gueules et scènes d’anthologies diverses, de comprendre ce qui irrépressiblement l’obsède dans le 7eme art.

Contrairement à ce que peut laisser croire le titre, Blutch est un fou de cinéma au point d’y consacrer un roman graphique. Son propos n’est pas de rédiger un essai théorique sur l’art cinématographique mais plutôt d’user des procédés du 9eme art pour exposer ce que représentent pour lui ces milliers d’heures consacrées à étancher sa soif d’images.
L’album est un peu comme une série de rushs visionnés sans montage particulier : pas d’histoire unifiante au fil des pages. Simplement les divagations d’un personnage, qu’il représente un peu usé par les années, franchement ravagé par de trop nombreuses séances dans les salles obscures, et pérorant ses considérations tantôt à sa femme tantôt à la face de pas grand monde.
Ce que révèlent ces quelques méditations est assez déroutant. Le cinéma n’est il pas finalement une activité qui consiste en dernière analyse à voir vieillir les acteurs ? Le cinéphile exercerait donc une activité sans guère plus d’intérêt que celle de parcourir un album de famille ? Est-ce là le simple point de vue plastique, réducteur, du dessinateur ? On pourrait le croire quand on découvre ses efforts déployés à dessiner, usant du trait large qu’on lui connait, sous toutes les coutures et à tous âges, Burt Lancaster ou bien Kirk Douglas. Pas aussi simple, quand on sait l’émoi que peut provoquer la disparition de certains acteurs : qui pourrait nier qu’il n’a pas été au moins une fois d’avantage affecté par la mort d’une vedette de cinéma que par celle de quelque proche. C’est cette proximité avec ces êtres de pellicule qu’interroge l’auteur, au travers d’une œuvre de prime abord déroutante, mais qui mérite largement un effort de lecture.

Lafigue

Lorenzaccio

On imagine souvent le mouvement romantique comme le paroxysme de la sensiblerie autour duquel pullule une armada de chochottes fondant en larmes à la moindre vue d’une aile de papillon. En dehors de toute considération de style où je ne m’aventurerai pas, c’est peut être la violence extrême des sentiments qui caractérise le mieux ce courant littéraire.
L’adaptation de l’œuvre de Musset illustre ce déferlement des conflits intérieurs et capte l’antagonisme incessant entre la volonté d’atteindre les plus beaux idéaux et le tangible d’un insidieux renoncement. Lorenzaccio, jeune, beau, patricien, élevé dans l’idéal républicain, se met cependant au service du tyran sans qu’on comprenne véritablement ses raisons. Il se moque du manque de courage des habitants de Florence, il raille les partisans de la république autant qu’il se rit avec perversité de la pudeur de jeunes femmes nubiles qu’il livre sans vergogne à son maître. Son teint livide rappelle celui du clown blanc qui se permettrait toutes les extravagances. Son impertinence est celle du bouffon du roi, ses yeux gorgées d’alcool et son regard triste viennent à renforcer l’ambiance lourde et malsaine qui suit son passage. Peut être s’est il lié au despote car seul ce dernier est capable de mettre à nu la Vérité, d’une part par sa débauche qui exonère le souverain de toute convention sociale, d’autre part par la peur qu’il distille et la répression qui révèle les hommes à eux même en éprouvant leur courage. Cette recherche de l’idéal de la Vérité passe donc par la mise au service du Mal de Lorenzaccio.
L’histoire se déroule dans la Florence du XVIeme siècle mais Regis Penet parsème ses planches de détails rappelant le XIXeme siècle, permettant au thème ainsi exposé du pouvoir corrupteur de cheminer facilement jusqu’à nous. Le ton est souvent glaçant, voire sinistre, sans que le style poétique de Musset, dont la présente adaptation cite quelques vers, ne rende l’ensemble ampoulé. Les fans de bande dessinée se rappelleront de l’ambiance décadente de fin de règne qui emplit l’album de Thorgal « La chute de Brek Zarith ». Ils retrouveront un peu le dessin de Philippe Delaby et les couleurs de Jérémy Petiqueux dans la série Murena. Le graphisme dans son ensemble est de très grande qualité et s’accorde très bien à l’œuvre originale.

Lafigue

3 »

De quoi s’agit t-il : trois secondes, il n’en faut pas plus à la lumière pour ricocher dans tous les coins de la ville et permettre au lecteur de suivre le fil d’une intrigue policière à travers de multiples reflets

En ces temps troublés où les neutrinos font des queues de poissons aux photons lumineux dans de gigantesques accélérateurs de particules, les trois secondes que durent cette histoire sont une éternité pour qui sait les exploiter. Ce temps court, mais relativement long pour une particule, permet à Marc Antoine Mathieu de nous insérer dans cet intervalle temporel 69 planches composées de 9 vignettes toutes du même format carré identiques au carré du format de l’album (ne cherchez pas une formule de mathématique dans la phrase il n’y en a pas)

On retrouve ici le goût de l’auteur pour les expériences graphiques, les nombres et la métaphysique qu’il avait déjà développés dans sa précédente œuvre, Dieu en personne, qui lui avait valu le Grand Prix de la Critique. La mise en abîme du format carré installe le lecteur en vision subjective, en le mettant à la place de ce photon lumineux, de cette lumière qui va rebondir de miroirs, en vitres et nombreux autres objets réfléchissants pour nous permettre d’observer la scène principale de l’histoire sous de multiples angles. La lumière par de multiples détours collecte toute une série d’information permettant au lecteur d’appréhender petit à petit l’intrigue. Les trajectoires successives sont dus aux hasard qui place les objets réfléchissants sous certains angles mais rien n’est laissé au hasard dans la construction de l’histoire. L’auteur habilement, fait repasser la lumière à certain mêmes endroits pour marquer l’écoulement du temps, procédé qui lui permet d’ajouter un peu plus de narration qu’une action totalement simultanée ne l’aurait permise.

Pas de couleur venant troubler la circulation de notre particule et qui l’empêcherait de faire la lumière sur cette intrigue : du noir, du blanc, du clair, de l’obscur et c’est tout. Mais cette lumière ne se fait pas sans un sérieux effort de concentration du lecteur qui devra ordonner toutes ces bribes d’information pour ré-assembler l’histoire. Il y a un risque de découragement pour qui les tentatives formelles rebutent un peu, cependant on est pas encore dans la complexité ou le grand n’importe quoi (selon qu’on soit fan ou pas) d’un film de David Lynch. En cas de migraine quelques esprits alertes peuvent fournissent quelques sérieuses explications sur le site de Delcourt.

Déjà comblés par la version papier, nous sommes invités à doubler cette expérimentation graphique en allant visionner l’animation électronique de l’album sur le site de la maison d’édition Delcourt, moyennant la saisie d’un code disponible sur l’album papier : http://www.editions-delcourt.fr/3s/

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